A Thousand Kisses Deep – Quand Leonard Cohen vit avec son poème

The Book of Longing (2006)

The Book of Longing (2006)

Un poème (sa récitation), rencontré dans certaines circonstances, peut se fixer à vous pour la vie, se faire bijou discret comme le lichen à son arbre. A Thousand Kisses Deep poème d’amour lucide et apaisé,  était un work-in-progress pour Leonard, qui l’amendait, ajoutait des vers, en modifiait l’ordre de strophes.  Ce matériau vivant, son ajustement au ressenti de l’auteur est un éclairage complémentaire sur la sensibilité profondément et sincèrement artistique de Leonard Cohen, comme en témoigne l’incroyable regard porté sur lui par le réalisateur Tony Palmer avec son documentaire Bird on a wire (1) .

C’est à ce titre que je garde à portée de coeur A Thousand Kisses Deep, comme le pot de braise qu’il était peut-être pour Leonard.  Ce billet n’a d’autre raison que d’en réunir deux ou trois versions, afin de garder une trace dans la fourmilière du web.

 

Les différentes versions du poème ont baigné dans une sorte de chantier permanent ou une méditation, plus que comme un thème obsessionnel.  On peut ainsi les comprendre comme la distillation de vers innombrables écrits sur un même élan d’inspiration, une source retrouvée saison après saison.  On peut également penser que la fixation (provisoire) des vers a pu être induite et évoluer par leur interprétation en live, chantée ou récitée.

It’s taken so long to write and it was so much of my ordinary day even when I was in the meditation hall spending long hours. I suppose I was supposed to be calming my mind or directing it to other areas, but I was working on the rhymes for A Thousand Kisses Deep. I found the mediation hall was an excellent place to work on songs. I could concentrate on a verse, work out the rhymes and the ideas would come.
(LC – Interview au magazine MC Lean’s, 2001)

Beaucoup d’enregistrements et d’informations autour de ce poème et de la chanson sont remontés sur la toile depuis la disparition de Leonard Cohen.  Il apparaît ainsi que A Thousand Kisses Deep a vécu comme texte écrit, récité en concert ou lors d’émissions radio, et bien sûr chanson.

Premières ébauches récitées dans diverses émissions radio, interviews vidéo, à partir de 1996. Une version précoce de l’adaptation en chanson fait partie de la bande-son du documentaire Mount Baldy- Spring 1996 filmé par Armelle Brusq.

Première publication

Voici le texte plus complet, rendu public pour la première fois en septembre 1998.

You came to me this morning
And you handled me like meat.
You’d have to live alone to know
How good that feels, how sweet.
My mirror twin, my next of kin,
I’d know you in my sleep.
And who but you would take me in
A thousand kisses deep?

I loved you when you opened
Like a lily to the heat.
I’m just another snowman
Standing in the rain and sleet,
Who loved you with his frozen love
His second-hand physique –
With all he is, and all he was
A thousand kisses deep.

All soaked in sex, and pressed against
The limits of the sea:
I saw there were no oceans left
For scavengers like me.
We made it to the forward deck
I blessed our remnant fleet –
And then consented to be wrecked
A thousand kisses deep.

I know you had to lie to me,
I know you had to cheat.
But the Means no longer guarantee
The Virtue in Deceit.
That truth is bent, that beauty spent,
That style is obsolete –
Ever since the Holy Spirit went
A thousand kisses deep.

(So what about this Inner Light
That’s boundless and unique?
I’m slouching through another night
A thousand kisses deep.)

I’m turning tricks; I’m getting fixed,
I’m back on Boogie Street.
I tried to quit the business –
Hey, I’m lazy and I’m weak.
But sometimes when the night is slow,
The wretched and the meek,
We gather up our hearts and go
A thousand kisses deep.

(And fragrant is the thought of you,
The file on you complete –
Except what we forgot to do
A thousand kisses deep.)

The ponies run, the girls are young,
The odds are there to beat.
You win a while, and then it’s done –
Your little winning streak.
And summoned now to deal
With your invincible defeat,
You live your life as if it’s real
A thousand kisses deep.

(I jammed with Diz and Dante –
I did not have their sweep –
But once or twice, they let me play
A thousand kisses deep.)

And I’m still working with the wine,
Still dancing cheek to cheek.
The band is playing « Auld Lang Syne » –
The heart will not retreat.
And maybe I had miles to drive,
And promises to keep –
You ditch it all to stay alive
A thousand kisses deep.

And now you are the Angel Death
And now the Paraclete;
And now you are the Savior’s Breath
And now the Belsen heap.
No turning from the threat of love,
No transcendental leap –
As witnessed here in time and blood
A thousand kisses deep.

Ce texte sera ultérieurement édité en deux poèmes dans le recueil The Book of Longin (2006). (2)

La chanson, telle qu’elle paraît sur l’album Ten New Songs (2001), est construite sur la deuxième partie du texte ci-dessus (à partir de The Ponies Run…).
Sharon Robinson, choriste et collaboratrice de Leonard Cohen, explique qu’ils travaillaient sur une suite à la chanson A Thousand Kisses Deep: une autre chanson basée sur la première partie du texte, et dont le projet de titre était Still Into That.

 

La version live 2009

Le récitation in extenso (les deux parties) était inclue dans la set-list de la tournée 2009; sa captation vidéo live à Londres est d’une intensité poétique remarquable.  Ma préférée…
En voici le texte, puis la vidéo.

You came to me this morning
And you handled me like meat
You’d have to be a man to know
How good that feels, how sweet
My mirrored twin, my next of kin
I’d know you in my sleep
And who but you would take me in
A thousand kisses deep

I loved you when you opened like a
Lily to the heat
You see I’m just another snowman
Standing in the rain and sleet
Who loved you with his frozen love
His second hand physique
With all he is, and all he was
A thousand kisses deep

I know you had to lie to me
I know you had to cheat
To pose all hot and hide behind
The veils of sheer deceit
Our perfect porn aristocrat
So elegant and cheap
I’m old but I’m still into that
A thousand kisses deep

I’m good at love, I’m good at hate
It’s in between I freeze
Been working out, but its too late
It’s been too late for years
But you look good, you really do
The pride of Boogie Street,
Somebody must have died for you
A thousand kisses deep

The autumn moved across your skin
Got something in my eye
A light that doesn’t need to live
And doesn’t need to die
A riddle in the book of love
Obscure and obsolete
Until witnessed here in time and blood
A thousand kisses deep

And I’m still working with the wine
Still dancing cheek to cheek
The band is playing Auld Lang Syne
But the heart will not retreat
I ran with Diz and Dante
I never had their sweep
But once or twice they let me play
A thousand kisses deep

I loved you when you opened
Like a lily to the heat
You see I’m just another snowman
Standing in the rain and sleet
But you don’t need to hear me now
And every word I speak
It counts against me anyhow
A thousand kisses deep

 

Et encore …

Une illustration de vers ajoutés, ici en introduction.  Et sa récitation en enregistrement audio.

Don’t matter if the road is long
Don’t matter if it’s steep
Don’t matter if the moon goes out
And the darkness is complete
Don’t matter if we lose our way
It’s written that we’ll meet
At least that’s what I heard you say
A thousand kisses deep

Well that’s my story
I admit it’s broken and its bleak
But all the twisted pieces fit
A thousand kisses deep

 

 

(1) Bird on a wire – Documentaire de Tony Palmer (1972) – en rediffusion sur ARTE jusqu’au 17 decembre 2016

(2) version française:  Le Livre du Désir (éditions Points (poésie))

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La cave underground du DESERTER Csaba Palotaï

Album The Deserter (UVM 2016)

The Deserter - cover

The Deserter – cover

Ooops voilà que j’ai les pieds en gigue et la tête qui dérive.
Les hanches qui roulent, les bras qui font l’oiseau.
J’appelle un docteur ? J’ouvre la fenêtre pour faire entrer de l’air frais ?

Pas la peine, il y en a plein l’appartement, et la machine à fumée psychédélique responsable de mon état, c’est le premier album solo de Csaba Palotaï qui vient d’arriver sur la platine.

The Deserter, une bonne dizaine de petites pièces solos pour guitare électrique triturée, guitare qui racle, guitare qui se tord, exacerbée mais jamais brutale, guitare qui soudain cajole et hurle à nouveau.  De la musique comme on se l’explore dans la cave ou dans son garage, en pur chercheur, sans comptes à rendre à personne.  C’est en effet à une des sources les plus enfouies de l’underground que Csaba semble brancher sa petite turbine saturée.

csaba_2

Photo © Vincent Bourre

Avec The Deserter, on est au cœur du labo, on manipule la teinture-mère.  On jurerait que ce gars-là est connecté aux concerts subversifs des années ’70 – côté Est du mur – et à ce que des artistes comme Led Zepplin ou Jimi Hendrix apportaient au Blues, ou Zappa au jazz – aussi, puisque Csaba Palotaï vient du jazz.

Je ne dis pas qu’il les imite. Il se replace sur un nœud d’énergie aussi prometteur que quand on rebat les cartes au jeu. Il ouvre les vannes, comme ces bands l’ont fait, pour le grand bien de la musique.  Preuve qu’il a les idées claires et sa palette expressive bien en main, Csaba n’est pour moi jamais autant lui-même que quand il interprète dans son jus à lui un traditionnel Transylvanien (1) – un peu comme Jimi repeignant The Star-Spangled Banner à Woodstock – si ça vous parle …

Photo © Cedric Maheut

Photo © Cedric Maheut

Cette époque-ci a fini de pousser au paroxysme des modèles et des concepts épuisés. Place à l’invention, en musique comme ailleurs.  Avec The Deserter, Csaba Palotaï nous fait claquer la chemise au vent d’une puissante aspiration de liberté.

Et pour ce qu’il en dit lui-même, voici un trailer fort bien fait.

 

 

(1) The Burning House (Pabilijas), qu’on connaît dans une version beaucoup plus aérienne par sa compatriote Zsuzsanna Vàrkonyi – dont il est le comparse dans bien des projets musicaux.

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The Deserter chez le distributeur UVM

The Deserter sera joué en trio le 23 novembre 2016 @ la Dynamo de Banlieues Bleues (Paris, Pantin) banlieuesbleues.org

http://www.csabapalotai.com/

Csaba Palotaï, depuis 20 ans en France, a tourné avec son Grupa Palotaï, puis son spectacle Electric vaudeville. Il est aussi le guitariste d’Emily Loizeau, écrit, arrange pour quantité de projets.

C.Palotaï est l’auteur (et l’interprète) de la musique des spectacles DOM DO DOM ! et LA NAISSANCE DU CARNAVAL de La Compagnie Auriculaire, qui se jouent à Paris les mercredis, samedis et dimanches jusqu’au 30 novembre, à l’Atelier de la Bonne Graine  16 passage de la Bonne Graine, Paris 11
http://compagnie-auriculaire.com/actualite

 

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I miss you Leonard Cohen,  but nothing has been broken

lcDans le flux trop dense des actualités chroniquées sans lendemain, j’ai voulu placer dans ce billet de blog la trace d’une réflexion et d’une prise de conscience suite à la disparition de Leonard Cohen.  Au sentiment de perte ont succédé gratitude et réconfort, et la certitude de retrouver par le chemin de ses chansons la résonance avec une bouleversante humanité partagée.

Leonard Cohen disparu, je me suis senti un peu perdu comme beaucoup d’entre vous.  Les réactions et témoignages personnels ont afflué, attestant de l’incroyable tendresse dont a pu faire l’objet un simple songwriter but such a beautiful man.

En revanche, j’ai bien vite saturé avec les bios, synthèses journalistiques convenues, focus sur les dernières semaines, analyses qui exacerbent le côté liturgique de certaines chansons, qu’une presse paresseuse s’est plue à brancher sur les convictions religieuses de celui qui demeure avant tout un chanteur.  Souvenez-vous, ça avait fait pareil avec Johnny Cash.
Or Leonard Cohen était un pur artiste, intuitif et butineur dans la vie.  Regardez ce documentaire pour vous en rappeler.

Leonard Cohen n’est pas un produit qui s’impose mais une expérience poétique qui peut résonner intimement.

Leonard Cohen n’avait pas la moindre idée du mécanisme, s’il en est, qui explique l’irrésistible succès transgénérationnel de ses chansons.  Pour ne pas utiliser le mot addiction, on va parler de résonance partagée.  Mais à quel point ?  Leonard Cohen est-il une valeur universelle de la chanson ?  Une minute ! Même si on restreint l’analyse au périmètre culturel occidental, il paraît que le foot est une valeur universelle, ou Coca Cola, PlayStation, ou encore Harry Potter … Ça parle à tout le monde (paraît-il!) – mais Leonard Cohen??!! Ce serait plutôt le contraire : ce sont les gens qui en parlent.  Leonard Cohen n’est pas un produit qui s’impose mais une expérience poétique qui peut résonner intimement.

Leonard Cohen est passé à travers tout, s’est sorti de tous les plans convenus dans lesquels il aurait pu s’enliser – ou se faire oublier : la rente d’une entreprise familiale dans les beaux quartiers de Montreal, l’étiquette baba-cool des sixties, le show-business (qui lui a fait les poches !), la retraite zen, jusqu’à ses dernières tournées qui n’avaient rien des relevés de compteurs auxquels s’adonnent un tas de vieux groupes des ’60 / ‘70 qui n’ont plus rien à dire : lui composait, vibrait de ses nouvelles chansons.

Il s’étonnait d’être félicité, honoré, récompensé pour quelque chose – la poésie (et sa forme ultime : la chanson) qu’il disait ne pas commander, ne pas pouvoir réprimer en lui.
La poésie, son jaillissement, voilà l’incandescence d’une vie.  La poésie dans nos vies comme un battement de sang, une pulsion, et donc son rythme, sa musicalité implicite.

Ecoutez cette version sublime de ‘A thousand kisses deep ‘.  Chanson ? Poème ? Spoken word ? Slam ?  La plus belle des danses…

Comment l’intime d’un artiste peut-il toucher aussi universellement ?

Certaines chansons demeurent inoubliables pour toutes sortes de raisons.  Tube de l’été, chanson culte d’un groupe de copains, ou encore bande-son du premier amour.
Puis, côté esthètes, il y a la « bonne » chanson, fine, équilibrée, impeccablement arrangée, et qu’on apprend à écrire.

Plus ça va, plus on trie non ?  Et la chanson qui vous touche, c’est la chanson sincère, la chanson « juste » de l’artiste à l’écoute de l’en-soi.
On parle d’émotion là, pas de perfection.  Mais l’expérience émotionnelle de Leonard Cohen, ce n’est pas la mienne, ni la même que celle des milliers d’auditeurs bouleversés.  Tout le monde parle de grâce, à propos d’un concert, d’albums, ou de chansons en particulier.  Alors comment l’intime d’un artiste peut-il toucher aussi universellement ?

Où est-ce que tout ça se rejoint si ce n’est dans la vérité la plus aboutie de l’un qui engage celle de l’autre à se dévoiler ?
Parce qu’il expose son humanité fragile, dévastée, ou radieuse, Leonard Cohen met l’auditeur sensible sur le chemin d’accepter la sienne propre – fut-ce dans la douleur, la joie, ou la ferveur.
En résonance avec  les chansons de Leonard Cohen, chacun peut repartir avec ses propres histoires.
C’est bien la fêlure, l’émotion qui fait la chanson inoubliable – chacun pour sa raison.

A la lumière de sa vérité intime, l’artiste peut créer une expression propre

La disparition de Leonard Cohen a donné lieu de la part de divers artistes à une avalanche d’hommages, de révérences, de covers (souvent maladroites – et pas que dans la rue !).  Petit malaise à voir ces filiations autoproclamées, même dans l’humilité, ces velléités de sourcer son inspiration, de tagger son catalogue… L’art ce n’est pas de la comm’, relevait en substance un ami.

Par l’émotion disais-je, en filtrant tout fragment poétique à la lumière de sa vérité intime, l’artiste crée une expression propre : la sienne, émouvante par elle-même, comme une invention, qui fera – peut-être – son chemin en vous.  Alors ça sonne juste.  Pour Leonard comme pour vous.

 

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I Dreamed An Island – L’Utopie est Musicale

Ce 21 octobre, Piers Faccini sort un 6e album studio
I Dreamed An Island sur son label Beating Drum.

coverCet événement attendu est annoncé et documenté depuis plusieurs mois par la diffusion d’un blog que le songwriter alimente régulièrement.  Il y a présenté la thématique et l’axe de l’album : la cohabitation harmonieuse et l’enrichissement mutuel des langues, des cultures et des spiritualités.  Ce qui peut aujourd’hui paraître un doux rêve a cependant existé au 12e siècle, dans un petit royaume Normand de Sicile.  Nourrie de ce terreau fertile, l’inspiration des 10 chansons infuse entre utopie intime et mémoire de cette parenthèse historique lumineuse pour ré-imaginer, redessiner aujourd’hui une vision d’espoir.

Beaucoup de choses ont été écrites par Piers Faccini lui-même sur les motivations à choisir cette thématique et à l’illustrer par la référence à la Sicile du 12e siècle.  On trouvera dans son blog quantité d’anecdotes, de réflexions et d’illustrations, à la manière d’un journal d’atelier ou d’un carnet de croquis, éclairant de manière inédite la genèse d’un album.

La Maison Jaune  accompagnera cet événement par divers posts dans les semaines à venir, en abordant l’album sous des angles critiques complémentaires à l’abondante information présente dans le blog I Dreamed An Island.
On pourra ainsi revenir sur l’histoire des chansons de l’album, et chroniquer l’un ou l’autre concert de la tournée, dont le line-up va sans doute varier avec divers musiciens invités, mais comptera souvent Malik Ziad à la mandole, et toujours le fidèle Simone Prattico à la batterie – lequel signe également les arrangements de batterie et de percussion sur le nouvel album.

Parlons musique alors, dès ce premier billet !

Guest Musicians

Guest Musicians (dessins ©Piers Faccini)

A l’image de la thématique multi-culturelle de l’album, les 10 chansons composent un voyage sensuel dans une palette de styles impossibles à isoler, au point qu’il faut à nouveau suggérer l’alchimie pour expliquer la troublante évidence avec laquelle ici un madrigal français du Moyen Age peut sonner comme un maqam arabe, que de la poésie européenne se fond avec naturel dans la rythmique du taqsim turc, que le folk anglais est cousin du malien, que les dialectes du sud de l’Italie résonnent des migrations de toute la Méditerranée, etc..

Au premier chef de cette réussite, on pointe naturellement la qualité et la diversité des artistes musiciens invités.  Chacun porteur d’une culture immense et virtuose de son instrument, ils enrichissent le projet d’arrangement original conçu par Piers Faccini et réalisent la couleur originale de l’album, aussi puissante à évoquer l’atmosphère raffinée des cultures ancestrales qu’à soutenir les chansons modernes d’un folk réinventé au 21e siècle.

Là aussi, nombreux posts de présentation de musiciens dans le blog déjà cité, avec une performance vidéo enregistrée pour chacun !

Une dynamique cinématographique

On se réjouit toujours d’un nouvel album de Piers Faccini, de ses chansons qui témoignent du chemin créatif d’un artiste amoureux de son art et totalement infusé de son époque, racines et utopies comprises.  Cependant un bel album n’est pas uniquement une collection de chansons réussies.  Le choix des arrangements et la contribution des musiciens comptent naturellement beaucoup dans la couleur finale.
Mais encore…
Pour I Dreamed An Island, Piers Faccini a choisi de confronter des traditions musicales et quelques instruments inspirés des siècles passés à une écriture mélodique et des arrangements qui se revendiquent clairement du 21e siècle. A l’image de ses histoires qui racontent nos drames contemporains dans le décor, par exemple, d’un petit royaume de Sicile au 12e siècle, Faccini met en tension des univers a priori différents, et crée par le fait une dynamique excitante à l’écoute de l’album.  C’est une option artistique dont les moyens sont plus souvent offerts par le cinéma, qui dispose de plusieurs sources (image, sons, éclairage, narration, montage).  Voilà, à mon sens, l’invention majeure de cet album.

Les chansons

Le titre d’ouverture – To be sky – est introduit au djura * par Bijan Chemirani, membre de l’illustre famille Iranienne (un père et tous les enfants musiciens, des percussions au saz et au santour en passant par le chant).  Cet instrument à la fois mélodique et rythmique, renforcé par les touches du dulcimer, les cadences claires de la batterie et les glissements de guitare, construit une intensité qui rompt peu avant la 2e minute avec un changement de tonalité et de rythme.  Cette construction est reproduite dans le titre Comets (#9) ou encore Bring Down the wall (#3) ; elle ouvre comme une histoire dans l’histoire, et relance la dynamique de la chanson.  Ça rappelle quelques expériences inoubliables en live, dans lesquelles Piers Faccini enchaînait, fusionnait avec le même effet deux titres comme Three Times Betrayed (album My Wilderness) et Uncover My Eyes (Tearing Sky).  Mémorable !

Avec Drone (#2), plus narratif et dans un arrangement épuré, Piers Faccini met en œuvre une technique particulière pour jouer de la guitare dans les gammes modales des musiques arabe et orientale.  Grâce à des mini-frettes insérées sur la touche de sa guitare à résonance, il est capable de jouer des quarts de ton.  Le résultat est étonnant et très mélodieux, subtilement harmonisé avec la ligne de viole d’amour de Jasser Haj Youssef et le guembri de Loy Elrich..

Bring down the wall(#3), titre dévoilé en avant-première il y a quelques jours. La rythmique et les couleurs sont à la fête.  Simone Prattico à la batterie emmène tout le monde dans sa cascade d’inventions.  La basse de Hilaire Penda renforce la cadence.  Il fallait cette puissance pour soutenir l’incantation incisive du message : Bring down the wall – Abattez le mur!  Brillant.

Cloak of Blue (#4), toujours avec Simone aux drums, Jasser – au violon cette fois, et  la contrebasse de Chris Wood.

The Many Were One (#5), encore un titre bien rythmé, qui porte la récitation par Malik Ziad de Ma Sicile, du poète Ibn-Hamdis (11e siècle). On aime cette respiration, le récit de la chanson suspendu, légèrement mis en tension par la scansion particulière de la langue arabe.  La ligne de mandole est de Malik également.

Judith (#6), entre danse et épopée, est un bouquet de cordes qui réunit le oud et le psalterion de Bill Cooley, la guitare baroque de Luca Tarantino, et le guembri de Loy Elrich.

©Piers Faccini

® Piers Faccini

Beloved (#7) ouvre brillamment dans la tonalité d’un madrigal, puis se décline dans la gamme, avec tantôt des chœurs, tantôt des voix de tête.  Les chutes sur des quarts de tons ne cessent de surprendre.  Joli travail d’harmonies vocales par Piers.

Anima (#8) est sans doute une des chansons qui donne le plus dans la palette de l’Italie du sud.  La musicalité du dialecte en elle-même soutient l’évidence, tant il est vrai que certaine poésie est déjà musique.  La danse est ici présente, irrésistible, soutenue par Luca Tarantino à la guitare baroque et au théorbe**.

Dans Comets (#9) , on aime l’apaisement, le recueillement qui prépare à l’incantation, le vœu qui va être formulé dans l’ultime chanson.  C’est le break (vers 3’15’’) qui donne envie de se lâcher dans l’air, porté, élevé, puis de redescendre sur le 3e temps de la chanson écho de tous les fragments de l’album, comme une vision artistique unifiée.   Cette jubilation à l’approche du final n’est pas sans rappeler celle éprouvée une fois parvenu dans les derniers chapitres de grands romans comme Cent ans de solitude, Le Quatuor d’Alexandrie, ou encore Au-dessous du Volcan. Là aussi, l’atmosphère réchauffe grâce aux nappes de cordes (Piers aux guitares – dont une 12 cordes, Jasser à la viole d’amour, Bill Cooley au psalterion et au santour) et la signature du grand Pat Donaldson à la basse. Pat Donaldson est un vétéran du folk anglais des années ’70 (Sandy Denny, Fotheringay).  Il avait déjà collaboré avec Faccini sur la réalisation par ce dernier de l’album de Jenny Lysander Northern Folk – un bijou, une … comète!

Vient enfin Oiseau (#10).  Ouverture solennelle par Bill Cooley au psalterion.   Puis un chant seul, une voix nue, humble, implorante mais digne.  Cette chanson, écrite le lendemain des attentats de Paris (2013), alors que Piers Faccini était en concert en Tunisie, décrit un homme pris dans les affres d’un cauchemar qui le projette dans la violence terroriste.  Des tréfonds de son rêve, il appelle l’oiseau à sa fenêtre et l’implore de le réveiller par son chant, son seul espoir. Jasser Haj Youssef joue un break de folie à la viole d’Amour (1’25’’), et on bascule sur cette chanson écrite en point d’orgue, comme on termine une lettre en s’en remettant au cœur de la bien-aimée.

I Dreamed An Island – le blog

L’album sera bientôt disponible dans un special bundle en édition limitée sur la boutique web du label Beating Drum (préférez le circuit court!)

Sinon, pré-vente mp3 ouverte sur I-tunes

* djura: version turque du luth (saz)
** théorbe:  grand luth inventé en Italie au 16e siècle pour jouer la basse continue et aussi des solos

Musiciens crédités sur l’album:
Simone Prattico: drums, frame drum, shaker, percussion, acoustic guitar
Jasser Haj Youssef: viola d’amore, violin
Malik Ziad: Malik Ziad: voice, mandole, backing vocals
Bijan Chemirani: djura, daf
Giulio Bianco: zampogna
Chris Wood: double bass
Loy Ehrlich: guembri, awicha
Hilaire Penda: bass
Bill Cooley: oud, psaltery, santur
Luca Tarantino: baroque guitar, theorbo
Pat Donaldson: Bass
et
Piers Faccini: voice, backing vocals, acoustic and electric guitars, bowed guitar, 12 string, harmonium, harmonica, dulcimer,

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No One’s here – Piers Faccini, chanteur de poèmes.

photo MRCUP creative studio

photo MRCUP creative studio

Au début de l’été 2016, Piers Faccini a fait paraître No One’s Here, un recueil de poèmes augmenté d’un cd de musique instrumentale.  Un peu trop vite dissipée dans l’actualité de l’été et l’annonce de son prochain album studio, la parution de cet ouvrage singulier mérite d’être resituée dans la palette et le processus créatif d’un artiste aux multiples talents. 

Qui ne s’est pas exclamé un jour ou entendu quelqu’un dire : « Ça, c’est ma chanson ! » ?

Certaines chansons nous touchent plus que d’autres, pas vrai ?  Sans prétendre que son auteur connaît intimement notre histoire ou nos émotions, du moins reconnaissons-nous que c’est bien vu, bien inspiré.  Souvent, ces chansons « spéciales »  agissent ainsi par la vertu d’une alchimie non-écrite plutôt que par la stricte observance des règles qui font une bonne chanson.
Mais d’où viennent-elles ?  De quelle graine ?  De quelle racine ? Leur matrice est-elle fine mécanique ou bien volutes dans les hautes sphères ?

En bientôt six albums solo, Piers Faccini continue de dessiner des routes imaginaires dans son territoire intime et sauvage, son wilderness. Ses chansons témoignent toutes d’un degré d’inspiration que l’on devine branché sur une écoute attentive de l’en-soi et, partant, livrent une écriture ajustée (textes et arrangements musicaux) qui sonne comme un poème irrésistiblement enveloppant.

La poésie – n’est-ce pas la clé autant que le refuge lui-même ? Le creuset de la liberté absolue où se forge le rythme des vers qui emportent ? La substantifique moëlle de la chanson, n’est-ce pas son poème intérieur ?  Le rêve du songwriter est d’accomplir le chanteur de poèmes en lui, de porter dans toutes ses dimensions la musique des mots qui a surgi dans son esprit dès la genèse du texte, des premiers mots.

[Piers Faccini : ]

No One’s Here est un recueil de poèmes sur le thème de l’identité et du soi. Je cultive depuis toujours une passion pour la poésie mystique ; mes étagères abritent de nombreux textes sur le Zen et le Chan, la poésie Bouddhiste et Hindoue, et les écrits des mystiques Soufi. Passé vingt ans, j’ai découvert Rumi et Hafez, poètes Persans du 13e siècle. Totalement infusé de cette poésie poignante, j’ai tenté alors de m’inspirer du poème comme d’un instrument pour observer et analyser la vie que je mène.

Take me                                    Prends-moi
and break me                          et casse-moi
and shatter                              et brise
my resistance.                         ma résistance.

Take me                                    Prends-moi
and make                                  et fais
the million                                du million
little pieces                               de morceaux
whole.                                        un tout.

Take me                                    Prends-moi
and break me,                         et casse-moi,
Every part of me is yours.    chaque part de moi est la tienne.

La poésie est évocation mais elle n’est rien sans le rythme.
Scansion et prosodie, ressenties ou décryptées, fondent le socle et lancent le mouvement du texte, prélude à toutes ses mutations.  Lire un poème, n’est-ce pas déjà chanter ?
Pour Piers Faccini, c’est même une danse fascinante qui réunit, depuis ses premières créations en jeunesse, mots écrits et mots chantés, poèmes et chansons.

J’ai commencé à écrire des poèmes à peu près à la même époque où je me suis essayé à composer des chansons. Depuis lors j’ai gardé l’habitude de jongler entre les deux. Les années passant, et bien que j’aie réalisé plusieurs albums, je ne m’étais pas senti prêt pour autant à faire de même avec la poésie.

No One’s Here est une illustration de cet état d’esprit. Une forme de méditation qui peut balancer de la vibration sur une note longue, sur une transe lente, au vertige de l’abandon, de l’abîme ouvert par une question sans réponse.  Un chatoiement entre lumière irisée, ou un contre-jour, et l’ombre brutale, coupante.

Les poèmes de ce livre sont de simples pensées, arrangées dans une tournure poétique. Les mots sont les traces d’une sorte d’observation intime, de celles qui permettent de mettre le doigt sur quelques vérités essentielles.

Pour accompagner les poèmes du livre, j’ai décidé d’écrire et d’enregistrer une série de pièces instrumentales et vocales qui reflèteraient la tonalité méditative des textes.

Je compose depuis longtemps pas mal de musiques pour la télévision et le cinéma. Cependant, avec No One’s here, c’est la première fois que je réalise un album complètement instrumental. J’ai conçu ce cd associé au livre comme une bande-son sur-mesure pour les textes. J’aime imaginer les gens lisant les poèmes puis captés de temps à autre par la musique, dans une lente dérive.

Il me semble qu’il subsiste toujours dans les chansons de Piers Faccini quelque chose du climat qui les a vu naître.  Un dépouillement, une épure jamais trop ornementée, qu’il s’agisse de sa voix – premier de ses instruments, de l’écriture et des arrangements de la majorité de ses chansons, jusqu’à ses concerts – où il privilégie le plus souvent la formule duo (avec le violoncelliste Vincent Segal ou le batteur Simone Prattico) ou le trio  à l’occasion de certaines invitations de musiciens amis (voir la tournée avec Malik Ziad pour le prochain album).
No One’s Here se présente alors comme un prélude intemporel, une installation, une trame poétique qui va se superposer à la « lecture » des albums, et singulièrement à celle du prochain album I Dreamed An Island.

No One's Here - A poetic Show (Lille 2016)

No One’s Here – A poetic Show (Lille 2016)

Écrits dans sa langue maternelle anglaise, au plus près de son ressenti, les poèmes de No One’s Here ont fait l’objet d’une traduction en français par Laetitia Lisa – elle-même auteur de poésie. « Traduction » est un terme assez incomplet pour rendre compte de la complexité de l’entreprise.  Le rythme, la musique des mots et le respect de l’intention de l’auteur sont des choses délicates à préserver pour que la transposition continue de sonner juste.

Voici son ressenti d’expérience :

[Laetitia Lisa :]

Le poème, en soi, est déjà une traduction : la perception du poète, passant à travers le filtre de son propre corps et à travers celui de son esprit, est redonnée (oui, c’est un don) au lecteur ou à l’auditeur, sous forme de sensation aux multiples facettes iridescentes, animée dès lors de sa vie propre.
Se voir confier des poèmes afin de les traduire relève en cela d’une grande responsabilité. Il s’agit de redonner naissance à cette entité qu’est le poème en restant au plus près de son origine, tout en sachant qu’elle passera inévitablement par ce nouveau filtre que représente le traducteur. Collaborer avec le poète sur toute la durée de ce travail représente en cela une protection dont je ne voudrais me passer.

En premier lieu, s’accorder au diapason du poète.
On peut ensuite se placer à distance, puis s’approcher, faire connaissance du poème, le regarder évoluer dans l’espace ou le temps, écouter sa respiration et prendre son pouls.

S’il est essentiel de respecter le sens global du poème et de porter une attention particulière à son rythme, à ses sonorités – à son caractère, pourrait-on dire – faut-il absolument privilégier la dynamique du poème en choisissant des mots qui ne seraient pas forcément ceux du poète ?
En règle générale, la question de la traduction consiste à savoir comment prendre assez de distance pour permettre au poème de prendre vie dans sa traduction, tout en essayant de lui rester le plus fidèle possible. C’est ce à quoi nous nous sommes attachés tout au long de ce travail, toujours en dialogue, en gardant le poème comme boussole.

We are reflections,                                           Nous sommes lueurs,
glancing into the eye,                                      scintillant dans le regard,
of colours dancing momentarily                  des couleurs en danses furtives
upon the skin of darkness.                            sur la peau de l’obscurité.

We are reflections,                                          Nous sommes lueurs,
bouncing across the mirror of time,           rebondissant sur le miroir du temps,
returning somewhere                                    retournant quelque part
where echoes rise and fall.                           où les échos s’élèvent et retombent.

We are reflections,                                         Nous sommes lueurs,
without substance.                                         sans substance.
We are appearance only.                              Nous ne sommes qu’apparence.

Reflections                                                      Lueurs
that we piece together,                                 que nous rassemblons,
hoping they will reveal their source.         espérant qu’elles nous révèlent                                                                                             leur source.

But we can only know ourselves                Mais nous ne pouvons nous connaître
by seeing what we are not.                          qu’en voyant ce que nous ne                                                                                                   sommes pas.

We are reflections                                         Nous sommes les lueurs
of what we will never know.                       de ce que nous ne saurons jamais.

Il en va ainsi sur le chemin du chanteur de poèmes, ponctué de quelques représentations occasionnelles de ce concept : un spectacle musical et poétique en solo, où Piers Faccini mêle subtilement poèmes lus et chansons choisies, éléments visuels et intermèdes instrumentaux, dans la musique de plusieurs langues.

Spectacle No One's here - Arles 2016

No One’s here – Arles 2016

Comme à l’accoutumée chez Beating Drum Records (le label créé par Piers Faccini), on cultive le goût pour le support artisanal, à l’heure du streaming et du téléchargement généralisés.  Ce livre-cd, réalisé avec soin, est un objet collector aussi beau que possible, notamment par l’illustration constituée d’une série de gouaches et d’aquarelles de l’auteur.

photo MRCUP creative studio

photo MRCUP creative studio

No One’s Here est disponible sur la boutique web du label.

piersfaccini.com – et les actualités Facebook

Le très prochain album studio de Piers Faccini est annoncé depuis le printemps au fil de post sur le blog éponyme et dédié I Dreamed An Island

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Une géographie organique – La Musique Irlandaise, par Etienne Bours (5/5)

Musique Irlandaise de toujours …  Et demain?

DM

The Dropkick Murphys

Depuis le début de cette interview – comme il s’attache à l’illustrer tout au long de son livre La Musique Irlandaise, Etienne Bours souligne le qualificatif le plus évident de cette expression: vivante!  Mais la dira-t-on pour autant immortelle?

Que devient – que va devenir la musique Irlandaise?  Par définition, toute musique de tradition est une musique vivante, non-figée.  Le livre semble en effet montrer que des chansons ont continué de chroniquer par exemple la crise économique de 2008, consécutive aux années du « Celtic Tiger » (le boom économique).

Ce tissage des chansons avec  l’Histoire  va-t-il continuer?  Ou bien, du point de vue de la forme et des styles, doit-on craindre une dilution dans le main-stream et par l’uniformisation technologique (instruments), les normes de diffusion, etc..

Il y a un monde entre la musique irlandaise folklorique disponible en compilation et les Dropkick Murphys.  Mais la vraie diversité, c’est autre chose!  Que dit la boule de cristal?

Le groupe Kila et son Folk tribal du 21e siècle

Le groupe Kila et son Folk tribal du 21e siècle

[Etienne Bours:]

Demain est forcément alimenté par tous les siècles précédents et par cette histoire si riche du 20e qui a tout relancé, tout redynamisé, aux quatre coins du monde. Effectivement, rien n’est figé et ça continue à bouger en tous sens, mais aux nombreux carrefours de ces sens multiples, on retrouve toujours la tradition. Comme autant de balises qui rappellent des directions prises et d’autres à prendre pour ceux qui le désirent. On voit  alors, à ces carrefours, de nombreuses possibilités : des autoroutes toutes tracées (on aurait envie de dire : avec péages) qui mènent la grande foule dans une seule et même direction; des routes « nationales » évidemment qui glorifient l’identité irlandaise sur des tracés superbes mais somme toute prévisibles; des petites routes délicieuses et pleines de surprises; des chemins de traverses où tout devient possible; des culs-de-sac aussi, évidemment…

MickHanlyLa musique irlandaise est une géographie des multiples possibilités d’une tradition vivante et organique. On la joue, on la chante, on la danse – dans la rue, dans les pubs, sur les scènes, dans les festivals –  dans le monde entier. On l’analyse, on la réfléchit, on l’étudie, on l’enseigne, on la transmet, on la pratique, on la décortique – dans les écoles, les stages d’été, les rencontres internationales, les concours, les universités… On publie, on édite, on organise, on filme, on communique sur ses aspects historiques, culturels, sociologiques, touristiques, économiques, internationaux… On la discute, on s’oppose, on se bagarre, entre « puristes » et « modernistes », entre « traditionalistes » et « libres penseurs ». Des chapelles ou des écoles se toisent, des musiciens s’injurient, des émissions TV relaient cette dynamique farouchement vivante et incroyablement irlandaise.

Mais c’est tout ce contexte, en ce compris ces oppositions, qui est la preuve absolue que nous sommes face à une musique à la fois très vivante et ancrée dans un long processus de transmission. Si personne ne discutait la pratique, les répertoires, les manières de faire et de laisser faire cette musique, on serait sans doute dans l’exécution à l’identique d’une pratique musicale qui ne serait plus que du folklore. C’est loin d’être le cas en Irlande parce que, à force de brasser cette énorme matière dans tous les sens, tout le monde se forge une idée et une manière de l’aborder qui reste sans cesse susceptible d’évoluer de par la constante remise en question que tout cela génère.

 

Les Irlandais continuent à chanter le pays, l’exil, la vie, la politique, l’économie. Le Celtic Tiger a alimenté plus d’une chanson et les problèmes de l’église en font autant à travers tous les styles. Pop, rock, soul, folk, ballade traditionnelle…. Tout s’additionne, tout continue, rien ne disparaît.

Les derniers disques de Christy Moore et de Mick Hanly (2016) sont édifiants. L’histoire y est présente, l’exil aussi, le tout avec un prolongement sur les combats actuels, depuis l’éducation jusqu’aux problèmes d’environnement. Au même moment sont sortis deux disques de deux autres chanteurs. Cathal O’Neill nous offre une belle collection de ballades anciennes dont la plupart lui ont été transmises par son grand oncle Geordie Hanna (un des chanteurs qui ont fait le lien entre les générations au moment du revival) ou par sa grand mère. Un disque dans la lignée de la tradition. Doimnic Mac Giolla Bhride, quant à lui, offre un disque de chants gaéliques avec des accompagnements très élaborés : une autre facette de la tradition habillée avec beaucoup de maîtrise et d’originalité.

Je ne cite que quatre disques. Mais si je me penche sur le reste, je pourrai établir de longues listes de jeunes musiciens extrêmement talentueux qui perpétuent des répertoires et des instruments qui doivent tout à l’Irlande et à son histoire. J’ajoute que ces jeunes musiciens côtoient deux autres générations qui les ont précédés et qui sont tout aussi talentueuses. Et qui continuent à jouer et à partager.

 

Et ainsi de suite parce que les groupes, plus ou moins rock, plus ou moins punk-folk, n’ont pas posé les armes. Pas plus que les groupes comme les Chieftains qui font découvrir de jeunes talents de la musique et de la danse à leurs spectateurs.

Rien n’est terminé et la boule de cristal rayonne de ce soleil qui éclaire la baie de Galway au petit matin, quand l’Irlande se fait belle et que « le ciel termine sa toilette » comme l’écrivait magnifiquement Nicolas Bouvier à propos des îles Arran.

 

Pub The Cobblestone, Dublin ©Christine Breuls

Pub The Cobblestone, Dublin ©Christine Breuls

 

N’hésitez pas à faire de La Musique Irlandaise  votre favori de la chambre ou du salon, plus que de la bibliothèque où il ne tiendra pas en place!  Vous pouvez le lire comme un feuilleton ou l’ouvrir (presqu’au hasard) sur une anecdote, un focus historique, ou une référence.  C’est ce qu’on appelle un livre-compagnon.

* * *

Au plaisir de votre libraire (il peut aussi commander):
La Musique Irlandaise – Editions Fayard – Les chemins de la musique – 2015 .

Etienne Bours a également publié:
* le Dictionnaire thématique des musiques du monde  (Fayard 2002)
* Le sens du son: Musiques traditionnelles et expression populaire (Fayard 2007)
* Pete Seeger: un siècle en chansons (Le Bord de l’Eau – 2010)
* Il a récemment participé au Hors-série: Musique, fête ou festival » (Imagine – juin 2016) – récemment chroniqué dans ce blog.

Le site Irlandais pour l’archivage de la musique traditionnelle: une idée de ce qu’on appelle le collectage: The Irish Traditionnal Music Archives (ITMA)
(accès direct sur la page des ressources en ligne)

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I Dreamed An Island, le blog – Chemin poétique et carnets partagés

Piers Faccini crée le blog I Dreamed An Island pour annoncer son prochain album

Ceux d’entre vous qui passent de temps à autre à La Maison  Jaune connaissent notre fidélité aux créations du songwriter Piers Faccini et sont sans doute avertis de la parution à l’automne prochain de son nouvel album I Dreamed An Island.

Vous êtes alors familiers du blog du même nom, lancé par Piers au printemps dernier, afin de partager les dernières étapes de la réalisation de l’album.

in the studio

Une petite surprise vous attend dans cet article !
Pour vous et pour les nouveaux-venus
.

Pour ceux qui ne connaissent pas encore et seraient tentés de découvrir, le blog I Dreamed An Island est un chemin poétique fort représentatif du parcours de Piers Faccini.  Il résume la réflexion et les réalisations d’un songwriter inscrit dans son époque, auteur sensible aux grandes mutations de la société et artiste très attaché à l’indépendance de sa relation avec le public.

En parcourant les rubriques du blog, vous pourrez approfondir  la thématique qui axe l’album autour d’une coexistence harmonieuse entre cultures, rêvée pour aujourd’hui comme elle a pu brièvement être vécue dans un petit royaume de Sicile aux 11e et 12e siècles.

Carnets de croquis, réflexions, sources et chemin d’inspiration, portrait des musiciens invités (avec vidéos en direct du studio), …  Piers vide sa sacoche, étale sur la table cette matière vivante qui va faire l’album.

bandeau

(cliquez sur l’image pour accéder au blog)

La démarche est rare et mérite votre coup d’œil.  Rien à voir en effet avec un portrait rédigé par un magazine ou produit par une major company dans un agenda marketing cadencé.

C’est l’artiste lui-même qui ouvre ses carnets et les fenêtres de son studio dans les Cévennes.  Le regard et le ressenti sont ceux de l’artiste en création ; ce que nous pourrions prendre pour des scoops d’info ou des photos exclusives le sont sans doute, mais donnent surtout à voir – et donc éclairent davantage de façon factuelle – ce qu’est aujourd’hui un artiste au travail.

  • * * *

Piers Faccini a récemment posté sur le blog sa version d’une chanson traditionnelle du Sud de l’Italie, écrite dans le dialecte Salentino que l’on pourra entendre dans quelques titres du prochain album.

Par ce joli titre, rarement interprété par Piers en concert (mais qui figurera sans doute sur un prochain album de reprises Songs I Love II), l’univers de l’artiste est illustré par petites touches : de ses origines en partie Italiennes à son amour des chansons simples et fortes, aux arrangements dépouillés.

Mais que raconte la chanson ?  On suspecte une berceuse ou une lamentation amoureuse…
Et si on lui demandait?

Piers nous fait ici le plaisir de raconter lui-même l’histoire à partir des paroles originales.

Ultime élégance: le titre peut être téléchargé gratuitement, comme d’ailleurs tous les titres de ce projet d’album de reprises.

 

Bella ci dormi sui cuscini                                       Ma belle qui dort sur les coussins
Ca ieu qua fore mo minu suspiri                          Et moi dehors soupirant
Minu suspiri sino a murire                                    Soupirant jusqu’à la mort
Ozzate Bella famme trasire                                    Lève-toi ma Belle et laisse moi rentrer

Bella ci dormi stiddha de core                               Ma belle qui dort étoile de mon cœur
Ca ieu qua fore mo ardu d’amore                          Et moi dehors rempli d’amour
E  ardu d’amore sino a murire                               Rempli d’amour jusqu’a la mort
Ozzate Bella famme trasire                                     Lève-toi ma Belle et laisse moi rentrer

Bella ci dormi sulla mammace                               Ma belle qui dort sur le matelas
Ca ieu qua fore mo nu me do pace                        Et moi dehors je suis sans paix
Nu me do pace sino a murire                                 Je suis sans paix jusqu’a la mort
Ozzate Bella famme trasire                                     Lève-toi ma Belle et laisse moi rentrer

Bella ci dormi reta a ste mura                                Ma belle qui dort derrière ces murs
Ca ieu qua fore mo senza paura                             Et moi dehors sans avoir peur
E senza paura sino a murire                                   Et sans avoir peur jusqu’a la mort
Ozzate Bella famme trasire                                     Lève-toi ma Belle et laisse moi rentrer

 

  • * * * * * *

Pour retrouver nos articles consacrés à la démarche artistique de Piers et à ses différentes réalisations, cliquez sur ‘Faccini’ dans la colonne des Thématiques.

Le blog de Piers Faccini: I Dreamed An Island

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Une et toutes les Irlande – La Musique Irlandaise, par Etienne Bours (4/5)

La musique Irlandaise, tout le monde connaît non?  Elle est sans conteste le premier ambassadeur de l’île.  
Poursuivant son commentaire du livre, Etienne Bours raffine un peu l’image d’Epinal:  si la veine est commune et puissante, il y a cependant plusieurs Irlande, et sa musique offre plusieurs visages.

'90s ©Ken Garland

’90s ©Ken Garland

Y a-t-il « des » musiques Irlandaises ou une seule musique Irlandaise?  L’amateur profane va pouvoir distinguer l’Irlande du Nord de la République du Sud, ajouter sans doute la diaspora Nord-Américaine – et peut-être même les pubs de sa propre ville! – comme foyers historiques et propagateurs de cette musique irrésistible.  Mais il s’agira toujours de « La » musique Irlandaise.
Qu’en est-il en réalité de l’identité, de l’influence de ces territoires (ou communautés?) sur « la » musique Irlandaise? Et y a-t-il des valeurs communes? 

[Etienne Bours :]

Quand on parle de musique irlandaise, on comprend, en général, cette musique très « symbolique » qui est tout simplement ce qu’on peut appeler la musique traditionnelle. Il n’en existerait sans doute qu’une… mais elle en comprend plusieurs. Elle a plusieurs facettes. Les danses, qui ne sont pas les mêmes partout; les répertoires, différents d’une région à l’autre, comme peuvent l’être les styles de jeu.
Comme peuvent l’être aussi certains instruments.   Le concertina par exemple, plus présent dans certaines parties de l’Ouest.
Les chansons gaéliques anciennes, les chansons en anglais ou ballades plus récentes, les influences écossaises particulièrement présentes au Nord, les évolutions modernes de tous ces répertoires, les mélanges avec d’autres influences… Autant de répertoires qui se côtoient et qui font la ou les musique(s) irlandaise(s).

Puis effectivement, il y a cette diaspora, telle qu’il y a beaucoup plus d’Irlandais en dehors de l’Irlande que sur l’île. Les Irlandais d’Angleterre, des USA, d’Australie… jouent aussi, encore et toujours, la musique irlandaise. Laquelle est un élément majeur qui est allé se dissoudre au sein d’autres éléments, dans une alchimie incroyable, pour créer les courants de la musique ‘old time’ et country américaine…

©William Mullen

©William Mullen

Enfin, quand on parle de musique irlandaise, on se rend compte très vite que cette musique de tradition s’est glissée, consciemment et inconsciemment, dans toutes les couches musicales du pays et surtout dans l’esprit et la mémoire de tous les musiciens d’Irlande. A partir du moment où il fut clair pour tout le monde que cette musique n’était pas une expression ringarde d’un passé honteux, qu’elle n’était pas liée exclusivement à un milieu rural pauvre et bigot, chacun s’est alors senti à l’aise d’y revenir et d’y prendre ce qui lui appartient en tant qu’héritage.
Les musiciens classiques et/ou contemporains (Sean O Riada en tête), le mouvement folk, le rock, la soul irlandaise, la country locale, puis les grands spectacles de danse… se sont emparés avec plus ou moins de bonheur et d’audace de divers éléments de la musique irlandaise pour alimenter leur propre voyage musical.

Il y a sans doute plusieurs Irlande et donc plusieurs musiques irlandaises qui ont toutes les mêmes racines mais qui ont toutes rencontré de nombreux éléments extérieurs dus à la présence des Anglo-Normands, puis à la colonisation anglaise avec l’installation de colons venus d’Ecosse, enfin en raison des mouvements culturels du XXe siècle.

Le « renouveau » de cette musique dans les années ’70 a d’abord eu tendance à créer une uniformisation, une standardisation des répertoires et des styles. Mais les identités locales sont fortes et les caractères de certains musiciens tout autant; de sorte que des styles et des répertoires propres à certaines régions ont repris le dessus. Il en de même pour la danse qui fut très standardisée par les mouvements culturels identitaires à la base des nombreux concours de danses organisés sur toute l’île. Mais on a vu revenir des styles propres au Connemara par exemple et revenir aux styles locaux devint une affirmation de liberté autant que d’identité.

Edel McWeeney, fiddle - Shane McGowan, guitar ©Steven de Paoire

Edel McWeeney, fiddle – Shane McGowan, guitar
©Steven de Paoire

Quant aux valeurs communes, elles sont évidentes. Parce qu’elles sont celles d’un peuple qui a lutté pour sa liberté et sa dignité : attachement à la terre, à la beauté de l’île, à la lutte historique, aux héros de naguère (plus que ceux de ce qu’on a appelé les troubles des années ’70 et ’80), aux spécificités sociales et populaires (humour, whisky, culte des morts, idée de la République, drame de l’exil et de la séparation…). Beaucoup semblent vouloir mettre des limites à ces valeurs communes et n’aiment pas trop les répertoires les plus républicains ou les plus « engagés » (politiques) des dernières années – notamment à cause des références directes ou non à la lutte armée et à l’IRA. Ceux-là acceptent plus facilement les ballades anciennes, plus romantiques, plus « nobles », qui rappellent des héros moins équivoques.

Tous ne seront donc pas d’accord sur ce que représente ou englobe cette appellation « musique irlandaise.
Ce qui signifie avant tout à quel point elle est vivante et en mouvement perpétuel. 

La musique irlandaise voyage aussi avec les non-Irlandais.  Ici le groupe Toulousain Doolin’ enregistre à Nashville avec une bonne fée et quelques parrains du sérail.

* * *

Au plaisir de votre libraire (il peut aussi commander):
La Musique Irlandaise – Editions Fayard – Les chemins de la musique – 2015 .

Pub The Cobblestone, Dublin ©Christine Breuls

Pub The Cobblestone, Dublin ©Christine Breuls

Etienne Bours a également publié:
* le Dictionnaire thématique des musiques du monde  (Fayard 2002)
* Le sens du son: Musiques traditionnelles et expression populaire (Fayard 2007)
* Pete Seeger: un siècle en chansons (Le Bord de l’Eau – 2010)
* Il a récemment participé au Hors-série: Musique, fête ou festival » (Imagine – juin 2016) – récemment chroniqué dans ce blog.

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Une émotion aussi forte que le Blues – La Musique Irlandaise, par Etienne Bours (3/5)

L’Histoire de La Musique Irlandaise, ciment d’un peuple et ferment de revitalisation pour les musiques populaires bien au-delà de ses frontières.
Suite de l’interview d’Etienne Bours.

Chieftains & SineadOn est souvent étonné de voir la popularité de la musique irlandaise au-delà de ses communautés.  Sans se limiter à sa contribution aux grands standards pop-rock, comme a pu aussi le faire le Blues, on peut voir l’émotion que réveille un air de fiddle auprès de publics tellement différents.

Dans un passage du livre d’Etienne, il y a cette citation de Chris Welch, critique au Melody Maker, qui écrit en 1975 à propos d’un concert des Chieftains à Montreux: « Ils ont plus d’énergie vraie qu’une douzaine de groupes électriques … j’ai l’impression d’avoir été confronté à une source vitale, comme une pureté qu’on aurait pas laissé dégénérer … »

L’énergie seule explique-t-elle ce phénomène?
Etienne Bours connaît-il le secret de la potion magique?

[Etienne Bours:]

Il y a beaucoup de choses à dire ici parce que cette question en comprend sans doute plusieurs. La référence au blues est loin d’être anodine. Je rappelle encore et toujours ce que disait ce cher Pete Seeger : les deux principales forces de la musique américaine sont l’Irlande et l’Afrique. On a déjà une première explication : l’Irlande est très présente dans l’histoire de la musique américaine (on l’a déjà dit d’ailleurs) et ce avec sa sœur l’Ecosse qui apparaît nettement dans certaines régions d’Amérique du Nord  aussi.

Parmi les premiers enregistrements 78 tours, réalisés et commercialisés aux USA, quelques grands violonistes irlandais (mais aussi des pipers ou flûtistes) ont littéralement cartonné. Non seulement dans la déjà très grande communauté irlandaise des Etats-Unis, mais aussi en Irlande où les disques sont très vite arrivés et ont révolutionné le regard, la perception, des Irlandais eux-mêmes sur leur propre musique. Ainsi donc, cette musique qu’on croyait embourbée dans la tourbe et les brumes de l’ouest de l’île était capable de plaire de l’autre côté de l’océan et de se faire enregistrer au point d’avoir une valeur « commerciale ».  « Notre musique » voyage par le disque, puis par la radio et aussi par le concert là-bas mais aussi, petit à petit « chez nous ».  Voilà donc une musique paysanne, une musique de pauvres, de moins que rien (il suffit de se souvenir de la manière dont les Anglais ont longtemps traité les Irlandais : plus proches des singes ou des sauvages que des êtres humains), une musique ancestrale, dont la valeur est reconnue au même titre que beaucoup d’autres expressions populaires et traditionnelles.

Plus tard, dans les années ’60 puis ’70, c’est d’abord le boom de la ballade puis celui du folk revival. La ballade revient, en quelques ricochets sur l’Atlantique, grâce aux Clancy Brothers et à Tommy Makem, partis là-bas pour tenter une nouvelle vie dans le théâtre et devenus en un rien de temps un groupe qui va cartonner dans les grandes villes du Nord et dans les grandes émissions de TV. Et ce avec des ballades irlandaises qui sont à la fois pur jus et pourtant légèrement boostées par un culot et un talent impensables au pays. Les quatre gaillards osent reprendre « à leur compte », ce qu’on croyait  dépassé sur l’île et qu’on ne faisait par trop sortir des cercles familiaux ou des écoles. « Les vieilles ballades ne sont donc pas ringardes. Elles nous appartiennent à nous tous, Irlandais, c’est notre patrimoine et on est en droit d’en jouer avec respect mais avec liberté ».  Les Clancy et Makem (une des plus belles voix d’Irlande pour moi) sont un maillon indispensable de cette histoire. Je passerai ma vie à les faire réécouter à tous ceux qui trouvent ça dépassé aujourd’hui (l’histoire se mord toujours la queue au nom de je ne sais quelles modes…). C’est dans leur sillage que les groupes et chanteurs de ballades vont se précipiter : les Dubliners, Wolfstones, Dublin City Ramblers et des tonnes de groupes dits de ballades, puis des chanteurs comme Christy Moore qui n’a de cesse de citer Liam Clancy parmi ses influences majeures (il cite aussi Luke Kelly des Dubliners). C’est là-dessus que s’enclenche le mouvement de folk revival qui vient tout droit du Village à New York et des réflexions et autres conseils de Pete Seeger, une fois de plus.

On reprend donc les ballades et on se rend compte qu’elles existent par centaines ou par milliers, que les répertoires urbains (Dublin notamment) et ruraux ne sont pas les mêmes. Que les ballades historiques et les chants républicains sont nombreux et, donc, que l’histoire du pays et la lutte contre les voisins envahissants transpirent littéralement d’une part importante de cette tradition. La matière est énorme et elle est toujours vivante. Beaucoup de chanteurs discrets sont là pour communiquer avec la nouvelle génération qui reçoit aussi, en même temps, d’autres influences : folk américain (Woody Guthrie est souvent cité par Andy Irvine ou Christy Moore), le blues (qui fait partie des coups de cœur de nombreux musiciens et chanteurs de l’île, du plus traditionnel jusqu’à Bob Geldof et Bono).

Les instruments qui arrivent d’ailleurs et qui sont pris en main pour être mis au service de cette nouvelle « musique irlandaise traditionnelle » – je pense au formidable destin du bouzouki en Irlande puis ailleurs grâce à l’Irlande. C’est tellement subit, dense et vivant, que l’Irlande musicale des années ’70 s’ébroue avec  un dynamisme incroyable et s’en va secouer le reste du monde. Partout où l’on essaie de revenir aux musiques traditionnelles, aux instruments, aux manières de faire, on écoute aussi ce que font les pays voisins. Et, parmi eux, l’île verte s’impose en un rien de temps comme l’exemple parfait. On va donc essayer de jouer de la musique irlandaise partout : en Angleterre (eh oui même les Anglais!), en France, Belgique, Allemagne, Autriche, Hongrie, Hollande, Italie, Espagne… Sans compter, évidemment, les pays de la diaspora irlandaise : USA, Australie, Nouvelle-Zélande…
Si cette musique devient si influente c’est sans doute parce que de toutes celles pour lesquelles on a parlé de revival, elle était une des moins « mortes ». On pourrait en dire autant pour d’autres pays, je pense à la Hongrie, mais les conditions politiques et économiques, ajoutées au contexte culturel, n’ont pas permis un développement et une exposition médiatique de même ampleur. La musique irlandaise venait du monde occidental et, qui plus est, d’un des pays les plus pauvres de ce monde mais aussi d’un pays dont l’histoire a la même puissance évocatrice, symbolique, voire romantique et pourtant organique, que la musique.

Fiachra O'Regan au Festival Les Anthinoises

Le cocktail était fabuleux et parmi toutes ces musiques que nous découvrions dans les années ’70, celle de l’Irlande s’imposait (malgré elle, malgré nous) parce qu’on s’est mis à aimer un peuple, un pays, une histoire et une musique en même temps. Il ne faut jamais oublier que la lutte irlandaise s’est réveillée, après des années de quasi silence, fin des années ’60 avec ce qu’on appelle toujours « les troubles ». C’est-à-dire la lutte pour les droits civiques des catholiques du nord qui étaient complètement sous la coupe des protestants et donc de l’Angleterre.
Très inspirés par la lutte pour les mêmes droits de la communauté afro-américaine, les catholiques de Belfast et Derry commencent par des marches et manifestations pacifiques où les chansons tiennent une place importante. La répression violente donnera naissance à une lutte armée dramatique et insoutenable qui durera jusqu’à la fin du siècle. Mais en ce début des années ’70, on entend en même temps les récits de ce conflit et la musique du peuple irlandais (même si la musique entendue vient plus souvent de la République et donc du « sud »). Et soudain, on reçoit des informations sur cette « guerre » injuste, on entend chanter ce peuple, on commence à comprendre qu’il serait logique de faire de cette île une seule et même république… Tout joue en faveur du peuple de l’Irlande et la musique devient un élément extraordinaire de ce pays de plus en plus présent sur la carte du monde.

Les musiciens et chanteurs deviennent alors aussi nombreux que le sont les danses ou les ballades. Ça n’arrête plus et l’on voit de bons groupes tourner à travers nos pays. Leur énergie et la splendide simplicité de leur répertoire et de ce qu’ils en font vont jusqu’à renverser tous les préjugés et toutes les références des plus grands journalistes de musique dite pop. Parce qu’on découvre une manière, une façon, un sens de la musique qu’on ne soupçonnait même pas. Un élan naturel de ces musiciens et chanteurs qui ne font qu’un avec ce répertoire et son histoire. Une claque pour beaucoup d’amateurs de musique. Si on voulait comprendre ce que peut signifier un « lien traditionnel » avec un répertoire ancien, on avait soudain un exemple qui méritait évidemment des analyses mais qui écrasait beaucoup d’autres traditions locales par la masse d’Irlandais capables de jouer et chanter comme ils respirent.

Pub The Cobblestone, Dublin ©Christine Breuls

Pub The Cobblestone, Dublin ©Christine Breuls

Alors, il n’existe pas de musique universelle ni de potion magique. Le secret de cette énergie, de cette force, c’est l’histoire. J’ai longuement parlé avec Paddy Moloney, leader incontestable des Chieftains, et j’ai senti une passion incommensurable. Il aime sa musique, leur musique, et il y réfléchit encore avec un incroyable mélange de musicien instinctif, d’historien, de chercheur, de sociologue et d’homme de scène (voire d’amuseur, tant Paddy peut être drôle en concert). Le secret est là. Ils jouent leur musique parce qu’elle leur appartient (they take it for granted), elle est dans leurs tripes. Mais elle est aussi dans leurs jambes, dans leur corps, dans leur tête, et dans leur cerveau. Jouer et chanter bien sûr, mais si vous allez un peu plus loin, vous constaterez qu’ils sont toujours capables d’expliquer ce qu’ils jouent et chantent…

Les Irlandais font partie de ceux qui m’ont fait comprendre qu’au-delà de la sensation, l’idéal est d’avoir aussi accès au sens, alors on entre profondément dans les musiques et le plaisir en est doublé.

* * *

Au plaisir de votre libraire (il peut aussi commander):
La Musique Irlandaise – Editions Fayard – Les chemins de la musique – 2015 .

Etienne Bours a également publié:
* le Dictionnaire thématique des musiques du monde  (Fayard 2002)
* Le sens du son: Musiques traditionnelles et expression populaire (Fayard 2007)
* Pete Seeger: un siècle en chansons (Le Bord de l’Eau – 2010)
* Il a récemment participé au Hors-série: Musique, fête ou festival » (Imagine – juin 2016) – récemment chroniqué dans ce blog.

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La passion d’un collecteur – La Musique Irlandaise, par Etienne Bours (2/5)

Comme promis, nous poursuivons le voyage dans l’univers musical Irlandais, arpenté par Etienne Bours, un passionné qui a investi tous les métiers et saisi toutes les opportunités susceptibles de nourrir une curiosité boulimique à l’égard des musiques populaires et traditionnelles dans le monde.

Comme Etienne est aussi un formidable raconteur, mettons-le à table!

The Chieftains aux Traversées de Tatihou. ©Christine Breuls

The Chieftains aux Traversées de Tatihou. ©Christine Breuls

(La Maison Jaune:)

On imagine bien que la passion qui a animé la réalisation de l’ouvrage La Musique Irlandaise ne date pas d’hier ou du bon de commande de Fayard.

La pertinence  de l’information délivrée, la variété des références à des chansons pour illustrer le fil du temps que l’on dévore comme un feuilleton radiophonique, et par-dessus tout la qualité de la documentation et des sources qui soutiennent l’ouvrage font penser au travail scientifique d’un historien, mu par la passion d’un collecteur.

Comment cela s’est-il concrètement construit?  La recherche documentaire a-t-elle démarré avec l’idée du livre ou bien ces notes existent-elles depuis le premier coup de cœur?

(Etienne Bours: )

Tout cela est un travail de plus de 35 ans. Mon premier voyage en Irlande date de 1976. Je m’étais déjà documenté avant de partir en lisant divers livres sur l’histoire du pays. Quelque chose me fascinait dans cette lutte insensée pour la liberté et la dignité face à un envahisseur qui illustre parfaitement une politique colonialiste scandaleuse : l’Empire Britannique himself !!

J’ai donc abordé un pays pour et par sa musique mais aussi pour et par son peuple et ses luttes. C’était la première fois que je faisais à ce point le lien entre musique et société. Ce voyage fut un choc à tous points de vue. On est, dans les années ’70, au tout début du grand tourisme musical mais aussi du tourisme tout court. Le pays est encore d’une pauvreté incroyable et d’une pudeur qui n’a d’égale que sa foi quasi absurde en un Dieu instrumentalisé par une Eglise omnipotente.
C’est hallucinant ces Sacrés-cœurs qui restent allumés toute la nuit dans votre chambre de bed & breakfast dont la patronne s’est assurée que vous êtes mariés avant de céder une chambre double à un couple de chevelus…
Les petits déjeuners ont la générosité de la musique, les paysages ont la beauté des chansons. Les paysans vous prêtent leur prairie pour y planter la tente et parlent volontiers avec vous, quitte à ce que leur accent vous égare quelque peu sur la lande.

C’est un coup de foudre, c’est une découverte essentielle et l’on dirait que la musique est partout, même là où on ne l’entend pas. La moindre épicerie de village possède un présentoir de disques sur lequel trônent quelques LP des Dubliners ou d’autres groupes de ballades, extrêmement nombreux à ce moment-là.
Ma 2CV se remplit au jour le jour de ces 33 tours et de livres ou recueils de chansons. Je rapporte un trésor et, déjà, je me dis qu’il y a un livre à écrire sur la musique en lien avec cette histoire.

C’est le début de ma documentation sur cette histoire, ce pays et cette musique.
Les années qui suivent vont voir s’accumuler de nombreux disques, des films, des livres (en anglais et français), des articles découpés, des revues, des notes, d’autres recueils de chansons, des biographies de chanteurs ou de groupes… d’autres voyages viendront, d’autres concerts aussi.
Petit à petit, je vais écrire quelques articles qui paraîtront dans Trad magazine et qui préfigurent le futur livre. J’écris sur l’exil, sur le soulèvement de 1798 – je vais d’ailleurs en Irlande en 1998 et je rapporte une documentation nouvelle, publiée à l’occasion de cet anniversaire.

Je sais donc qu’un jour, j’irai plus loin dans ce travail. Il est inscrit sur mes tablettes depuis 1976 et ces années qui passent – qui ne sont pas consacrées qu’à l’Irlande  -permettent une lente et excellente maturation.
De sorte que lorsque j’ai abordé mon deuxième projet chez Fayard – mon Dictionnaire thématique des Musiques du Monde étant déjà publié – je leur ai proposé l’idée du livre Le Sens du Son (Musiques Traditionnelles et expressions Populaires) mais aussi celle du livre sur la musique irlandaise. Sophie Debouverie, directrice de la collection musique chez Fayard, m’a dit qu’il lui semblait opportun de commencer par Le Sens du Son et elle m’a demandé ce que j’en pensais. C’était mon avis également parce que je pensais que c’était une manière de compléter et  de « parfaire » le dictionnaire.

L’Irlande restait donc dans les projets d’avenir ; nous étions à ce moment en 2003. Le temps de faire ce livre puis de me lancer dans l’aventure Pete Seeger, que j’estimais aussi essentielle et urgente, huit à neuf ans ont passés avant que je revienne chez Fayard avec le projet irlandais.
Et, pour la première fois, j’ai entamé l’écriture d’un livre avec un contrat signé avant même d’avoir commencé. J’ai négocié un laps de temps suffisant pour pouvoir le réaliser dans un certain confort. Soit trois ans pour l’écrire. Trois années passées à lire ou relire des centaines de livres : dont 150 livres en anglais sur la musique, la chanson, leurs évolutions, leurs histoires, leur sociologie et une série de romans ou de livres de poètes irlandais, question d’être dans un climat global. J’avais dans ma documentation personnelle, celle que j’avais travaillée moi-même, les divers articles déjà écrits mais aussi de très nombreuses notes sur des thématiques précises. Avec, déjà, des titres de chansons et des traductions de certaines d’entre elles.

Le chantier était énorme mais le matériel était bien rangé et prêt à l’emploi.

Pub The Cobblestone, Dublin ©Christine Breuls

Pub The Cobblestone, Dublin ©Christine Breuls

De sorte que les trois années d’écriture ont été passionnantes. Je suivais le fil historique sans problème et mes lectures et écoutes venaient continuer à alimenter une structure qui préexistait au moins dans une forme simplifiée qu’il me suffisait de développer ou d’augmenter au fil des semaines.
Plusieurs séjours en Irlande, et pour la première fois à Belfast, ont contribué à ce développement. Plus j’avançais, plus ça me paraissait énorme et il fallait évidemment resserrer les contours pour ne pas trop en faire. Il n’empêche que Fayard a accepté un livre de plus de 500 pages comprenant un nombre de signes dépassant largement ce qui avait été convenu dans le contrat. Le tout dans une entente parfaite.

(A suivre:  Y a-t-il des musiques  ou une seule musique Irlandaise?)

* * * * * * *

La video intégrée à l’article provient de l’ITMA digital library.
Elle a été enregistrée en avril 2008 au Hughes’ Pub, Chancery Street, Dublin

Au plaisir de votre libraire (il peut aussi commander):
La Musique Irlandaise – Editions Fayard – Les chemins de la musique – 2015 .

Etienne Bours a également publié:
* le Dictionnaire thémlatique des musiques du monde  (Fayard 2002)
* Le sens du son: Musiques traditionnelles et expression populaire (Fayard 2007)
* Pete Seeger: un siècle en chansons (Le Bord de l’Eau – 2010)
* Il a récemment participé au Hors-série: Musique, fête ou festival » (Imagine – juin 2016) – récemment chroniqué dans ce blog.

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